Por Jorge Zavaleta Balarezo*
(Jonesboro, Arkansas,
Estados Unidos)
Si nos ponemos a pensar en
los principales directores de la historia del cine, aquellos considerados
maestros, en realidad sólo nos quedaremos con unos cuantos. Tratar de hilvanar
un relato a partir de ellos y de sus películas, ahora puede resultar más fácil,
porque vivimos en una época de divulgación, consumo e intercambio de
información. Artes vecinas al cine como la publicidad o el vídeo clip hacen
guiños o referencias múltiples a hechos y actos de cine precisamente creados
por los grandes maestros.
Consideremos por un momento,
por ejemplo, la obra de David W. Griffith. Con él nace no sólo el cine moderno
americano sino que gracias a su obra, compuesta de cortos muy originales y de
largometrajes históricos como “El nacimiento de una nación”, “Intolerancia” y
“Pimpollos rotos”, se abre camino a una serie de descubridores y pioneros de la
imagen en movimiento. Recordemos que Griffith usa acertadamente el montaje
paralelo y nos obliga a pensar seriamente acerca de las escenas que componen
“Intolerancia”, donde se habla no sólo del sentido de la vida sino de las
maldades del ser humano, o de aquellas que conforman un fresco considerado por
muchos un alegato racista como es “El nacimiento de una nación”, el cual
muestra la presencia del KuKluxKlan y su nociva influencia en una sociedad
enfrentada y marcada por odios y persecuciones. El propio Griffith, autor de
estos frescos históricos y operáticos, supo, sin embargo, cambiar de registro y
entregarse a melodramas que insisten en la cuestión humana, de la pasión y el
deseo, como en “Pimpollos rotos”, donde brilla con luz propia una joven LillianGish.
Pero estamos hablando sólo
de los inicios del cine. De sus dos primeras décadas, cuando aún no se
incorpora el sonido y no es posible experimentar con todos los artificios que
este elemento alimentará con el paso de los años, dando lugar, por ejemplo y
precisamente, a los musicales, un género que como otros nació en Hollywood.
Hablando de maestros, que no
quede duda de Charlot. Charles Chaplin también se inició realizando y actuando
en cortos. Su genialidad era tal que él sabía precisamente donde fijar el
encuadre para captar el “gag” o la explosión de la siguiente pero nunca
definitiva carcajada. Ya en el terreno del largometraje debemos a Chaplin
verdaderas obras maestras como “La quimera del oro”, “Tiempos modernos” o
“Luces de la ciudad”. En ellas, como lo seguirá haciendo con regular intensidad
a lo largo de su vasta carrera, Chaplin demuestra ser un sentimental, un ser
que está del lado de los que menos tienen, un hombrecillo, tal vez ridículo,
que al final guarda para sí sus propios sufrimientos y carencias. El escritor
argentino Osvaldo Soriano imaginó una conversación entre Chaplin y Stan Laurel,
en un barco rumbo a Estados Unidos, en su novela “Triste, solitario y final”.
La prosa de Soriano se apoyaba en una historia posible en la que Chaplin
cumplía el papel que le cupo en sus películas: el del perdedor solitario, el
hombre descontento, el enamorado de bellas mujeres que siempre lo rechazarán.
Chaplin colmó un universo lleno de fantasías, popular, supo sintonizar con su
magia con un público que ya por entonces lo celebraba en París o en Buenos
Aires, como lo atestiguaron César Vallejo y Jorge Luis Borges.
Un tercer ejemplo de
temprano maestro es el francés Jean Vigo, auténtico poeta del cine, dueño de
una sensibilidad y una imaginación que traspasan lo cotidiano y quien es capaz
de llevarnos a mundos de ensueño y fantasía desde la misma convivencia de
grupos humanos, como los colegiales de “Cero en conducta” o la pareja que
protagoniza esa obra maestra sin parangón que es “L´Atalante”. Vigo supo sumar,
a un tiempo, su talento y esfuerzo creativo para forjar obras con rigor y sello
estilístico, pensadas quizá no tanto para un público masivo (a la inversa de
Chaplin) sino para ir por un lado más íntimo, recreativo, jovial, para buscar
una poética de los sentidos en los meandros más misteriosos de la conciencia.
Por ello sus películas no sólo se nos aparecen frescas y dinámicas, colmadas de
movimientos y acciones, explícitamente cinéticas, sino que, además, muestran la
fuerte personalidad de su autor, un genio que ha engrandecido el panorama del
cine francés desde los inicios de este arte.
Griffith,
Chaplin, Vigo… y el cine en sus comienzos. Tempranamente surgieron estos
maestros, halagados y considerados con el tiempo. Otra cosa sería hablar de
Alfred Hitchcock, sobre quien se ha hecho hace poco una película, inspirada en
el rodaje de “Psicosis”. Se mantiene la idea de un Hitchcock dueño de una
personalidad avasalladora, solipsista, pero sobre todo cruel. Un amante de rubias
gélidas y transparentes -TippiHedren, Ingrid Bergman, Grace Kelly, Kim Novak,
Eva Marie Saint-, verdaderos monumentos de belleza a los cuales el director de
“Los 39 escalones” les rendía un culto infinito, inhumano, queriéndolas
hacerlas suyas desde el manejo de sus propios filmes. La tradición de la prensa
escandalosa y escapista nos ha dejado el retrato de un Hitchcock, genio del
suspenso, hambriento tal vez de amor, sediento de lo que le negaban sus grandes
estrellas, por último un ser cohibido, atrapado entre centenas de rollos de celuloide.
Mas lo que importa, y lo rescatamos una vez más, es la impronta de esa obra que
sabe moverse entre señales inesperadas o mostrar a peligrosos maniáticos, como
el asesino de “Frenesí”, o tal vez poner entre la espada y la pared a un hombre
que trata de vivir una existencia común como el CaryGrant de “North
byNorthwest”. Hitchcock no sólo aplicaba matemáticamente el principio de la
salvación de último minuto sino que inspiraba a sus películas el carácter
macabro que requerían, como en “Psicosis”, o alteraba la realidad para dar la
sensación de que algo extraño se teje más allá de lo que el espectador puede
creer, como en “Rebeca” o “Sospecha”. Más aún, el crimen puede estar frente a
nosotros como en “La soga” o venir de la mano de un familiar en el que
supuestamente confiamos, como en “La sombra de una duda”. Hitchcock se reía de
sí mismo y sabía aplicarse en la narración de esos tiempos de suspenso, en los
cuales tanto urge salir del aprieto lo más pronto posible. Su carrera en el
cine silente y sonoro, en los mercados europeo y norteamericano, señala a un
ser ambicioso, que trabaja minuciosamente planos y escenas, que construía
personajes a la medida de alguien que va a sobrevivir a todo.
Así, como vemos, un recuento
ligero de maestros fundacionales del cine, el arte de la modernidad, nos lleva
a recordar sus posibilidades expresivas, siempre cambiantes y creativas. Habrá
oportunidad, por cierto, de hablar de otros maestros -pensemos en Kurosawa, Ford o Welles- que han hecho del
cine una pasión constante, múltiple, ambiciosa y recreativa.
*Jorge
Zavaleta
500 N. Caraway
Rd. - Apt. 1027
Jonesboro, AR
72401
Education:
-
2011, Ph.D., Department of
Hispanic Languages and Literatures, University of Pittsburgh.
Concentrations: Contemporary Latin
American Film, Film Studies, Cultural Studies, 20th
and 21st century Latin
American Literature.
Dissertation:
Hacia un Cuarto Cine: violencia,
marginalidad, memoria y nuevos escenarios globales en veintiún películas
latinoamericanas.
Directors: Dr. Elizabeth Monasterios
and Dr. Juan Duchesne-Winter.
Committee Members: Dr. John Beverley, Dr.
Hermann Herlinghaus, and Dr.Aníbal Pérez-Liñán.
- 2011, Graduate Certificate in Latin American
Studies, Center for Latin American Studies (CLAS), University of Pittsburgh.
-
2008, M.A., Department of
Hispanic Languages and Literatures, University of Pittsburgh.
Concentrations: Latin American Film,
Cultural Studies, Brazilian Literature.
M.A. Research paper: Crisis
y cambio social en el cine peruano contemporáneo.
-
2005,
B.A., Lingüística y Literatura Hispánicas, Facultad de Letras y Ciencias
Humanas, Pontificia Universidad Católica del Perú (Lima).
