Los mejores filmes del año 2022 The NEW YORK TIMES

Los mejores filmes. A pesar de la crisis que afecta al negocio de hacer películas, los estrenos de este año recompensaron a los cinéfilos, tanto a los aficionados al cine de autor como a los apasionados de las superproducciones. Give this article. 

(Recordamos en esta oportunidad la pasion  de Jorge Zavaleta Balarezo  creador - en la Universidad de Pittsburgh, Pensilvania -  de Psicoanálisis Estival, un espacio dedicado al cine con énfasis en  la producción latinoamericana. Jorge Zavaleta Balarezo y José María  Salcedo, director de Radio Programas del Peru, más de una vez tuvieron espacios de reflexión sobre el presente y  futuro del Cine en esta Región de Latinoamérica). 

(https://www.youtube.com/watch?v=LL3U3Yt50KMcurrently works as an independent researcher and scholar. Jorge does research in Latin American literature and film, Cultural Studies, Global Cinema and .he is also a writer, author of shorts stories and novels. Their current project includes two essays, one about classic Mexican film "Maria Candelaria" and other on Borges and Berrtolucci´s movie "La estrategia de la araña". photographer Nan Goldin, with red curly hair and in glasses, with a woman applying makeup in a bathroom)

Nan Goldin, en primer plano, en el documental All the Beauty and the Bloodshed.Credit...Nan Goldin

24 de diciembre de 2022

Manohla Dargis | A.O. Scott

Las perspectivas más audaces

En 1985, el veterano crítico de cine Vincent Canby escribió un inspirado y admirable ensayo malhumorado en The New York Times sobre el futuro del séptimo arte. Lo que detonó sus cavilaciones fue Habitación 666, el documental de Wim Wenders que acababa de estrenarse en Nueva York. Filmada durante el Festival de Cine de Cannes de 1982, la película retrata a distintos directores solos en una habitación de hotel, donde responden a una pregunta que Wenders había escrito en un pedazo de papel: “¿El cine es un lenguaje que está a punto de perderse, un arte al borde de la extinción?”

El primer director —y la otra fuente del desasosiego de Canby— fue Jean-Luc Godard, que describió el proyecto de Wenders como una pesquisa sobre el futuro de las películas. Durante los siguientes 10 minutos más o menos, Godard, con su conocido puro en mano, medita sobre esta pregunta exasperante y perpetua con su característica inteligencia, opacidad e ingenio epigramático. El diagnóstico no es nada bueno. “El sueño de Hollywood es hacer una película”, afirma Godard, “pero la televisión termina haciéndola y la distribuye en todas partes”, lo cual es la mejor descripción que he leído de nuestro mundo actual de NetflixDisneyMarvel

Para Canby, la predicción de Godard de un mundo donde se hace una sola película ya se había materializado. Películas aclamadas de figuras como Jonathan Demme tenían dificultades para competir en taquilla con estrenos nacionales como Un detective suelto en Hollywood. Canby creía que había múltiples culpables de esto, y señaló con el dedo a los inversionistas aversos al riesgo y a un público “aborregado”. Y escribió: “Nuestra sociedad está cada vez más homogenizada, tal vez debido a la capacidad ubicua de la televisión de sembrar las mismas ideas, los mismos miedos y las mismas modas en más personas, con más rapidez, de lo que jamás había sido posible en la historia del mundo”. ¡Uf!

No creo que los argumentos de Canby y Godard sean del todo acertados (pueden debatirlo entre ustedes), pero tras casi cuatro décadas e innumerables secuelas de franquicias permutables, está claro que tampoco estaban del todo equivocados. Sin embargo, después de todos estos años —incluso ahora que la industria atraviesa otra más de sus crisis interminables— una vez más me siento conmovida por las películas buenas y grandiosas que siguen estrenándose. A menudo la gente me pregunta si he visto una buena película últimamente. Sí, he visto muchas, este y todos los años, pero si no puedo convencerlos de ver una de mis favoritas de 2022, les sugiero que vean una o dos de Godard

Su alma dejó este mundo el 13 de septiembre, pero sus películas vivirán por siempre.

1. EO (Jerzy Skolimowski)

En los minutos iniciales de esta desgarradora cinta, un pequeño burro de circo llamado EO —nombrado así por los sonidos que emite— emprende una aventura extraña, y a veces fantasmagórica. En el camino, conoce a otros animales, pero los encuentros que más le impactan son las personas, amables y crueles, cuyo trato hacia él refleja el mundo desnaturalizado que hemos creado. Skolimowski, ahora de 84 años, ha realizado una de esas películas poco comunes que exploran las preguntas más esenciales de la vida, y lo hizo con la visión exultante y la intrepidez de un genio cinematográfico que parece estar en sus albores. (En salas de Estados Unidos).

In a scene from “EO,” a donkey in silhouette walks over a darkened hill against a dusky sky.

2. Petite Maman (Céline Sciamma)

Contada en su mayoría adentro, y en torno, a una casa ubicada en lo profundo del bosque, la épica liliputiense de Sciamma es un perspicaz cuento de hadas moderno y un ejemplo de narrativa económica y elegante. Su encantadora protagonista es una niña pequeña que junto con una nueva amiga se embarca en un viaje modesto pero trascendental, repleto de encanto y asombro, que lleva a nuestra pequeña heroína a vivir la aventura más grandiosa y misteriosa de todas: el amor. (Disponible en Hulu).

3. ¡Nope! (Jordan Peele)

En su obra más reciente, Peele recurre a referentes y géneros variados —es una cinta de terror, una comedia familiar, un western revisionista, una ciencia ficción descabellada— para crear una historia innegablemente propia. La trama de Nop tiene muchas vertientes, pero lo que destaca es cómo Peele te seduce con estrategias cinematográficas conocidas para llevarte a una reflexión elegíaca sobre las personas de color en una industria —en un país— que ha convertido su sufrimiento en espectáculo. Es una narrativa que Peele ya ha subvertido al convertirse en uno de los directores estadounidenses más importantes de la actualidad. (Disponible para renta en la mayoría de las plataformas de emisión en continuo).

4. No Bears (Jafar Panahi)

Durante años, el cineasta veterano Panahi —crítico desde hace tiempo del gobierno iraní— ha dirigido películas en circunstancias increíblemente complicadas, incluido el arresto domiciliario. En No Bears, se interpreta a sí mismo (según parece, con algo de libertad artística), un cineasta llamado Jafar Panahi que se muda por una temporada a un pequeño pueblo para dirigir a distancia una película en la cercana Turquía. Es un proceso difícil y, a la vez, un acto de profunda resistencia. Ahí, en una historia sobre asentamiento y desplazamiento, Panahi trasciende fronteras tanto imaginarias como aterradoramente reales. (Próximamente en cines).

In a scene from the film, a driver with a hand on the steering wheel is seen from the back seat. Over his shoulder, through the windshield, two men ride by. 

Jafar Panahi al volante en No Bears, que también dirigió.Credit...JP Production

5. Kimi: Alguien está escuchando (Steven Soderbergh)

No hay notas falsas ni erróneas en esta ingeniosa película de suspenso sobre una mujer que enfrenta varios desafíos, incluidas sus propias ansiedades (¡justificadas!) con respecto al mundo. Ambientada con firmeza en el presente —nuestra heroína, una hábil empleada de una empresa tecnológica interpretada por la magnífica Zoë Kravitz, usa cubrebocas cuando sale de su casa— la cinta toca múltiples temas interconectados, como el aislamiento y la vigilancia tecnológica como un medio de opresión. Pero es la gran realización de Soderbergh la que me hace regresar una y otra vez a este animado relato. (Disponible en HBO Max).

6. The Eternal Daughter (Joanna Hogg)

Una luminosa Tilda Swinton interpreta tanto a una madre como a su hija adulta en esta historia conmovedora y hermosamente controlada sobre la memoria y el duelo. Al inicio, madre e hija van rumbo a unas vacaciones en una propiedad elegante, un viaje que resulta ser misterioso e hipnotizante. Con precisión, humor sutil y algunos trucos cinematográficos astutos, Hogg y su brillante actriz estelar convierten una producción que parece simple en algo bastante extraordinario. (En cines de Estados Unidos).

7. El acontecimiento (Audrey Diwan)

Basada en las memorias de Annie Ernaux —ganadora del Premio Nobel de literatura este año— El acontecimiento es una de varias películas poderosas recientes que comprenden el aborto como un derecho fundamental y un indicador de la actitud que tiene una cultura hacia las mujeres. Con una mirada íntima y una determinación lúcida, Diwan deja claro que el aborto no es solo un pretexto para postureos y debates políticos; es el medio práctico y necesario con el cual su heroína puede asegurar su soberanía, un futuro, una vida. Para ella, solo hay una elección y es la suya. (Disponible para renta en la mayoría de las plataformas de emisión en continuo).

8. Decision to Leave (Park Chan-wook)

Uno de los placeres vertiginosos de ver esta película laberíntica es que se trata de un derivado delirante de Vértigo, el doloroso drama de 1958 dirigido por Alfred Hitchcock sobre la obsesión de un detective con una mujer misteriosa. Una vez más, hay un hombre y una mujer, y también hay amor y traición. Pero conforme avanza la trama de Decision to Leave y se instala en su propio tono retorcido y único, el foco emocional de la cinta se va alejando del amante obsesionado para acercarse al objeto de su incesante e insensato deseo, y el homenaje habilidoso de Park se transforma en una contestación aguda. (En cines de Estados Unidos).

9. Expedition Content (Ernst Karel y Veronika Kusumaryati)

Este documental fue la experiencia más extraña que tuve en una sala de cine este año. En parte se debió a que, durante casi todos sus 78 minutos de duración, la pantalla está en negro. Aunque el largometraje muestra algunos visuales breves, la ausencia relativa de imágenes vira la atención hacia la banda sonora, que consiste en audios grabados durante el rodaje de Pájaros muertos (1964), un clásico etnográfico sobre la etnia dani en Nueva Guinea. El resultado es una indagación estimulante sobre la antropología —cómo se expresa y para quién— y sobre el propio cine. (Encuentra más información sobre la película aquí).

10. All the Beauty and the Bloodshed (Laura Poitras)

El retrato tenaz y elegante que presenta Poitras de la fotógrafa Nan Goldin, su arte y su activismo, inicia con Goldin reunida con otros compatriotas de ideas afines fuera del Museo Metropolitano de Arte. Poco después, Goldin y compañía, están montando una protesta, acostándose en el suelo, dentro de la institución, una de muchas manifestaciones que ella y otros organizaron contra las instituciones que habían tomado dinero de integrantes de la familia Sackler, cuya empresa, Purdue Pharma, desarrolló el analgésico opiáceo oxicodona. Como muestra Poitras más adelante, la protesta de Goldin es tan solo el capítulo más reciente de una artista que crea belleza a partir de la masacre. (En cines de Estados Unidos).

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Otras recomendaciones imperdibles: Armageddon Time; La catedral; La emperatriz rebelde; Descendientes; Dos Estaciones; Funny Pages; Futura; Gran libertad; Hold Your Fire; I Didn’t See You There; Entre valles; Lingui. Lazos sagrados; Louis Armstrong’s Black & Blues; Nanny; Un pequeño mundo; Pleasure; Return to Seoul; Riotsville, U.S.A.; Three Minutes: A Lengthening; Diarios de Otsoga; Till, el crimen que lo cambió todo; La mujer rey; y La Peor Persona Del Mundo.

A.O. SCOTT

Las mejores preguntas planteadas por películas

Al repasar mis recuerdos de 2022, encuentro muchas películas interesantes y muchas opiniones ansiosas y contradictorias sobre “la situación actual de la industria cinematográfica”. La mayoría giraba en torno a una pregunta: ¿La gente regresará a las salas de cine después de la pandemia, o el futuro le pertenecerá a la emisión en continuo? El éxito avasallador de Top Gun: Maverick en mayo y de Pantera Negra: Wakanda por siempre en noviembre no ofrecieron una respuesta clara.

Tampoco lo hace la proliferación de películas que evocan la emoción y la gloria del cine del pasado. El cine-nostalgia se ha convertido en un género en sí mismo. Las tiernas elegías al celuloide del año pasado, Belfast y Fue la mano de Dios, fueron sucedidas este año por Los Fabelman, la reflexión de Steven Spielberg sobre su propia juventud cinéfila; El imperio de la luz de Sam Mendes, que transcurre en un desteñido palacio de cine junto al mar en el Reino Unido de principios de los ochenta; y Babylon, un sueño febril del antiguo Hollywood dirigido por Damien Chazelle.

A veces, el sentimentalismo y la autoconciencia son indicios de decadencia. Si te propones conmemorar las glorias de un arte sitiado, podrías terminar contribuyendo a su obituario. No es que yo crea que las películas estén en peligro de extinción, o bueno, no más de lo que lo han estado en los últimos 90 años más o menos, pues se han visto amenazadas por la llegada del sonido, la televisión, la avaricia corporativa y el filisteísmo del público. Las películas están en constante transformación, aunque arrastren su historia tras de sí. Los viejos estilos persisten junto con las nuevas posibilidades, y la originalidad encuentra la forma de hacerse notar en medio de la conformidad ensordecedora de las franquicias y el absoluto salvajismo de los algoritmos.

Como cualquier otra expresión artística, el cine avanza mediante la crítica, y no me refiero a las valoraciones ulteriores de personas como yo, sino al escrutinio escéptico que los cineastas aplican a las condiciones y tradiciones de su propia práctica creativa. Las dos mejores metapelículas del año, ¡Nope! de Jordan Peele y No Bears de Jafar Panahi, acentúan lo negativo en sus títulos, y asumen posturas duras y contrarias a los clichés diáfanos sobre la magia del cine y el poder de la imaginación. Nos recuerdan que esa magia siempre es el producto de un trabajo arduo y nada glamuroso, y que el poder nunca es sinónimo de inocencia.

Si hay algo que une las 10 cintas discrepantes que elegí para mi lista —que van desde un drama francés de época hasta una ciencia ficción musical afrofuturista, con un par de documentales por ahí— es ese espíritu crítico. Parecen cuestionar no solo los aspectos de la experiencia humana que representan, sino también sus propios métodos y suposiciones. Son verdaderas imágenes en movimiento, que piensan en voz alta en la oscuridad.

Y 20 más …

Para Chiara (Jonas Carpignano); All That Breathes (Shaunak Sen); Armageddon Time (James Gray); La emperatriz rebelde (Marie Kreutzer); Descendientes (Margaret Brown); Donbass (Sergei Loznitsa); Dos Estaciones (Juan Pablo González); Todo En Todas Partes Al Mismo Tiempo (Daniels); Los Fabelman (Steven Spielberg); Fire on the Mountains (Ajitpal Singh); Futura (Pietro Marcello, Francesco Munzi y Alice Rohrwacher); Glass Onion: Un misterio de Knives Out (Rian Johnson); El Acontecimiento (Audrey Diwan); The Inspection (Elegance Bratton); Lingui. Lazos sagrados (Mahamat-Saleh Haroun); Marx puede esperar (Marco Bellocchio); Pleasure (Ninja Thyberg); La mujer rey (Gina Prince-Bythewood); Ellas hablan (Sarah Polley); X (Ti West).

Manohla Dargis has been the co-chief film critic of The Times since 2004. She started writing about movies professionally in 1987 while earning her M.A. in cinema studies at New York University, and her work has been anthologized in several books. @manohladargis

A.O. Scott is a co-chief film critic. He joined The Times in 2000 and has written for the Book Review and The New York Times Magazine. He is also the author of “Better Living Through Criticism.” @aoscott

papeldearbol. Creado por July Balarezo Historiadora y egresada del  Taller de Pintura  Teresa Mestres Miraflores Lima  - Espana .    Jorge Zavaleta Balarezo PhD en Literatura y Cine Iberoamericano.

Desde  2017 se edita en EEUU  Editores  Julia Zavaleta Camerieri Psicologa y Master en Administracion economica por  Sn Mont San Mary University of Pittsburg. MD, -  Jorge E, Zavaleta Alegre